#DiscosDelAño: No. 3

Kevin Martin 2014

Llegamos a la recta final del conteo de los diez discos más destacados del 2014, calificados según las críticas recibidas (un pequeño fragmento de éstas acompaña este listado). [Todas las traducciones son propias].

The Bug - Angels & Devils3. The Bug
Angels & Devils
Electrónica/IDM/Dubstep
Ninja Tune
26 – agosto

London Zoo, el disco anterior de Kevin Martin como The Bug, brillante, estridente, caricaturesco, salió en 2008, coincidiendo perfectamente —y, a menos que Martin supiera algo que los demás no, suponemos accidentalmente— con la crisis crediticia, algo que resultó ser escalofríantemente acorde al momento. Al igual que un feroz juego de palabras vulgar, es en el grito de rabia apasionada y consciente, así como de humor negro, de MC que se expresan los desafíos económicos y sociales enfrentados por la clase trabajadora y las minorías étnicas inglesas durante los años de calma artificial del Partido Laborista. Y si se escucha de nuevo la letra de las canciones de este álbum se puede observar que estas preocupaciones no han menguado —lo mismo que la producción de Martin, quien mezcla trazos sublimes de color, al estilo de Jackson Pollock, en un lienzo formado por estructuras metálicas.

Si bien no nuevas, las preocupaciones son más familiares, y más insuperables, luego de cuatro años de políticas de austeridad; de una mediocre apertura del gobierno y de corrupción de los medios, brutalidad policíaca, corporativismo y privatización. ‘Fi’ all them fuckin’ people who ignore blatant facts/Just so they can maintain an order beneficial only to themselves‘, canta Spaceape en ‘Fuckaz‘, al tiempo que se forma en la mente la imagen de una docena de funcionarios públicos del gobierno inglés.

Es la voz de [Inga] Copeland la que entrega las primeras letras de Angels & Devils, primer disco de Martin como The Bug desde London Zoo, en el segundo tema, ‘Fall‘, que entra en escena como si se tratase de un motor defectuoso. ‘Let the game begin‘, tantea, abriendo el telón al tiempo que un bajo veloz y un latigazo translúcido de melodía rodean su ser. Es una de sus ejecuciones más poderosas y notables, algo que se debe también en parte a la producción de Martin.

El ánimo y el sonido de King Midas Sound ha retroalimentado claramente el enfoque de estudio de The Bug: hay más destreza y fluidez que antes en Angels & Devils, siendo menos dependiente a los destellos de distorsión, aunque sin perder fuerza a causa de ello. Los temas instrumentales ‘Pandi‘ y ‘Ascension‘ si bien son monolíticos e intrínsecamente provocadores, despiden una esencia vaga, espontánea, semejante a una composición de Hype Williams. Y el ritmo del álbum se revela como un conjunto dinámico y agitado de percusiones, bajos y monótonos pulsos de estática procesado para asemejar un rocío fino, pero fuerte como el acero. Todos estos elementos se conjugan de manera incómoda: suaves al tacto en un primer momento, desgarradores al siguiente. Evocando un mundo densamente poblado, estas interacciones volátiles hacen referencia a muchas narrativas, cambiando identidades, y centrándose en protagonistas múltiples cuyas líneas de tiempo colisionan unas con otras por unos instantes, sólo para separarse nuevamente.” – Rory Gibb

Reseña completa del álbum en The Quietus

#DiscosDelAño: No. 4

Andy Stott 2014

Continuamos con el conteo de los diez discos más destacados del 2014, calificados según las críticas recibidas (un pequeño fragmento de éstas acompaña este listado). [Todas las traducciones son propias].

Andy Stott - Faith in Strangers4. Andy Stott
Faith in Strangers
Electrónica/IDM
Modern Love
18 – noviembre

“Andy Stott, el artista de música dubstep/electrónica de Manchester, se aleja de lo austero en su cuarto LP, y continúa empujando su sonido inteligente, rítmicamente abrasivo, hacia horizontes más melódicos, de ensueño. Esto se debe parcialmente a la participación, ya frecuente, de Alison Skidmore, antigua profesora de piano de Stott, quien hizo su debut en el año 2012 en el disco Luxury Problems. En Faith in Strangers, [Skidmore] agrega una dulzura pacífica, trémula y orgánica a las estructuras cerebrales de Stott, reforzando una tendencia más hacia los sonidos del mundo real y menos hacia el espacio virtual.

Según entrevistas, éste es el primer álbum de Stott en el que se hace uso de equipo análogo y no digital. Así, lo áspero suena más áspero, y lo cálido, más cálido. Igualmente, en éste el artista utiliza algunos sonidos improvisados. ‘Science and Industry‘ lleva el nombre de un museo de Manchester donde Stott grabó los ritmos metálicos que dominan a lo largo de la canción. Estos provienen del pistón de un motor antiguo. No hay nada digital en ellos, pero sirven como contra-argumento al omnipresente sonido inorgánico de la caja de ritmos.

De igual manera, en ‘Missing‘ la melodía se deriva de lo que parece ser un bajo cuyas cuerdas son punteadas y rasgueadas con los dedos. Transcurre casi un minuto antes de que la angelical y desnaturalizada voz de soprano de Skidmore haga acto de presencia, o de que los sonidos electrónicos brillen en los intersticios. Si bien no será elegido para una sesión de Unplugged en MTV en un futuro cercano, Stott adquiere mayor relevancia que antes entre las audiencias.

Sin embargo, la verosimilitud no es su carta de presentación. Los sonidos [del disco] están filtrados, amplificados y recubiertos por un clamor sintético; se les reconoce, como a los rostros en un sueño, pero igual que estos tienden a volverse irreales e intocables, así como la rareza misma que los rodea.” – Jennifer Kelly

Reseña completa del álbum en Blurt

#DiscosDelAño: No. 5

Scott + Sunn 2014

Continuamos con el conteo de los diez discos más destacados del 2014, calificados según las críticas recibidas (un pequeño fragmento de éstas acompaña este listado). [Todas las traducciones son propias].

Scott Walker + Sunn O))) - Soused5. Scott Walker + Sunn O)))
Soused
Alternativo/Avant garde rock
4AD
21 – octubre

Soused inicia con un pronunciamiento a favor de la negación: de la belleza, de los logros humanos, de la naturaleza misma. El motor que impulsa el ‘progreso’ y la vanguardia es precisamente esta negativa. Y se escucha lo siguiente: ‘This beauty is unfinished‘, ‘These achievements are minimal‘, ‘This world is incomplete‘. Sin embargo, no es sino hasta que las vocales de Scott Walker se silencian y la música se remite a un eco que la inmensa pared de distorsión de Sunn O))) reafirma la negativa anterior: terror, dolor, poder, violencia. Y es así que avanza el espiral tortuoso de Soused, la negación de la negación, registrando con cada giro que da las perturbaciones psíquicas inherentes a la dialéctica de lo imposible.

Es la fatalidad, el peso de la realidad de Sunn O))), lo que enmarca al proyecto en su conjunto; su sonido es tan palpable, tan físico, generado por bocinas y amplificadores enormes, que no hay duda de su presencia. Aunque algunos sonidos representativos se introducen de manera ajena en ciertas canciones, es el estilo raudo y glacial de Sunn O))) lo que permite avanzar al proyecto conceptual de [Scott] Walker.

El estilo inorgánico es un punto llamativo del progreso, una erupción que satura el espacio y el tiempo, que invita a quien escucha a vivir el momento más que a buscar incansablemente un nuevo sonido. Y Peter Walsh, co-productor del disco junto con Walker, logra la tarea hercúlea de mezclar estas paredes de distorsión e intensidad y, al mismo tiempo, dejar florecer la voz de Walker.

Aunque la posición de Walker en la matriz de negación de Soused es, como el resto de su obra, compleja y opaca, su trabajo sumerge a la audiencia en su sustancia sofocante. Esto lo convierte en una lección sobre la perdurabilidad, no del tiempo, sino del dolor, de la confusión, del horror, y de lo desagradable. Pareciera como si provocara la negación de sí mismo, el diseño y el desprecio mezclándose en una sola masa. Soused rebosa con extrañeza, desasosiego y oscuridad desalentadora. Si lastima, no permanezcas en un solo punto del disco por mucho tiempo. Mira que sucede si sigues avanzando.” – Matthew Phillips

Reseña completa del álbum en Tiny Mix Tapes

#DiscosDelAño: No. 6

Shabazz Palaces 2014

Continuamos con el conteo de los diez discos más destacados del 2014, calificados según las críticas recibidas (un pequeño fragmento de éstas acompaña este listado). [Todas las traducciones son propias].

Shabazz Palaces - Lese Majesty6. Shabazz Palaces
Lese Majesty
Hip Hop/Experimental
Sub Pop
28 – julio

“Lejos del hip hop en el sentido tradicional del término, Lese Majesty parece haber sido creado para eludir a propósito incluso la referencia más vaga a éste. La producción se aproxima más al trabajo de Nicolas Jaar o al de James Blake que al de cualquier artista de hip hop del momento. Es innovador, es escurridizo, y es un producto que molestará a muchos puristas del género. [Ishmael] Butler y [Tendai] Maraire reclutan en este disco a un viaje a través del tiempo y de la mente, y no cualquiera es bienvenido.

Butler, líder y escritor principal, opta por la evocación más que la narración, mientras que la música de Maraire hace las veces de aperitivo, más que de plato fuerte; los temas, en su mayoría, fungen más como interludios que como canciones. Por si fuera poco, las dieciocho pistas están enmarcadas en un total de siete suites. En verdad, se trata de un álbum que anhela redefinir aquello que se entiende por hip hop. Expone su propia visión, estallando a una velocidad exagerada y molestando a los ‘tradicionalistas’ en el proceso.

Es un esfuerzo exitoso. La negativa de Butler y Maraire de presentar sus ideas de alguna forma remotamente parecida a una canción estructurada hace que Lese Majesty sea un trabajo difícil de comprender. Es fácil de explorar, pero es aún más fácil de extraviarse al escucharlo. Desde los efectos utilizados en las vocales elevadas hasta los gaseosos samples electrónicos que bien podrían pasar por partículas virtuales, hay un cierto toque de ligereza en el disco. Las pistas se desvanecen unas en otras y nada mantiene una forma definida por más de 90 segundos. Quizá lo más parecido a un sencillo sean las canciones ‘They Come in Gold‘ y ‘#CAKE‘. Esta última, con su ritmo engomado y sus frases pegajosas, es la única pista que tiene algún parecido con el material de Black Up, su disco anterior.” – Brendan Frank

Reseña completa del álbum en Pretty Much Amazing

#DiscosDelAño: No. 7

Damon Albarn 2014

Continuamos con el conteo de los diez discos más destacados del 2014, calificados según las críticas recibidas (un pequeño fragmento de éstas acompaña este listado). [Todas las traducciones son propias].

Damon Albarn - Everyday Robots7. Damon Albarn
Everyday Robots
Alternativo/Folktronica
Warner Bros.
29 – abril

“A primera vista, el disco debut de Damon Albarn como solista, Everyday Robots, explora los efectos del Internet y de la tecnología en el mundo moderno. No obstante, ésa no es toda la historia. Si bien algunas canciones examinan el tema, se trata más bien de un álbum personal, envuelto en beats electrónicos y metáforas digitales. Se trata de Albarn cantando sobre sí mismo, de una forma similar a como lo hizo hace 15 años en el disco 13 de Blur. Y el resultado es un álbum que humaniza a la máquina y que descubre una faceta de su vida, al tiempo que contribuye algo al mundo de la música.

La primera muestra de que Everyday Robots es algo más de lo que se puede apreciar a simple vista llega con ‘Hostiles‘, una canción de amor envuelta en un vestido digital. ‘Hoping to find the key/to this play of communications/between you and me‘, canta Albarn con voz cansina, entre arreglos de cuerda punteados y ritmos de percusión de fondo que asemejan al ladrido de un perro. Las cosas se tornan más personales con la reflexiva You & Me‘ y la autobiográfica ‘Hollow Ponds‘. El fondo de la primera suena como un satélite en búsqueda de señal, lo que embona perfecto con el examen que hace Albarn sobre sus luchas con la heroína (‘Tin foil and a lighter‘) y su éxito repentino durante el decenio de 1990 (‘Some days I look at the morning trying to work out how I got here/Cause the distance between us is the glamour’s cost‘). La segunda es una de las canciones más transparentes del álbum, centrándose únicamente en la voz y la guitarra de Albarn. ‘Modern life was sprayed onto a wall, 1993‘, canta él, reflexionando sobre su fama al tiempo que los instrumentos de viento enfatizan los versos.” – Joe Marvilli

Reseña completa del álbum en No Ripcord

"You gotta make way for the homo superior"